あとがき

2026年３月に著した「エルガーの最後の審判-語られなかった真の作曲家像」は当初、４部構成によって完結することを前提に構想された。いわば４楽章形式の交響曲のように、全体として一つの有機的な流れを持つ構造を意図していたのである。
　しかし、書き進めるうちに、当初の設計では収まりきらない領域が次第に浮かび上がってきた。そのためやむなく前書では３部構成でまとめ、第４部は泣く泣く削除することに。しかし、内容的にあまりにも重要であり、かつ独自の広がりを持っていたため、それは、単なる補遺として処理するには惜しく、むしろ一つの章として、あるいは一つの作品として独立させるに足る密度を備えていた。
　結果として、外側にもう一つの楽章を持つような構成へと変容した。この構造は、エルガー自身が構想しながらも未完に終わった三部作《使徒たち》《神の国》《最後の審判》を想起させると同時に、むしろアントン・ブルックナーの交響曲第9番における終楽章問題に近い性格を帯びているのかもしれない。すなわち、本来全体の中に組み込まれるべき終楽章が、単独でも一つの完結した宇宙を形成しうるという逆説である。
　本書が対象とするのは、「作品」としてのエルガーではなく、「演奏される存在」としてのエルガーである。すなわち、楽譜の中に固定されたテクストではなく、それがいかに演奏され、聴かれ、受け取られてきたかという、時間の中で生成し続ける「演奏文化」としてのエルガー像である。
　演奏レビューというものは、本来きわめて消費的な性格を持つ。演奏会が終われば、その記憶とともに忘却の彼方へと流れ去っていく運命にある。しかし、それらは同時に、ある時代における受容のあり方を如実に物語る一次資料でもある。どのように演奏され、どのように聴かれ、何が評価され、何が見過ごされたのか――その痕跡は、後世にとってかけがえのない証言となる。いわば「エルガーの受容史」を語る上において、重要不可欠な証言となるのである、
　さらに重要なのは、その記録の「形式」そのものもまた、時代とともに変化していくという事実である。かつては紙媒体に残された批評が主であったものが、録音・録画という形で保存され、さらにはインターネットやSNSを通じて即時的かつ断片的に拡散される現在へと至っている。本書では、それらを「コンサート」「記録」「配信」という三つの層に分けて考察することで、エルガー受容の変遷を多角的に捉え、その「現在形」を浮かび上がらせることを試みた。
　本書が提示するのは、決して完成された結論ではない。むしろ、いまだ生成の途上にあるエルガー演奏文化の、一つの断面にすぎない。しかし、その断面の集積こそが、やがて大きな歴史の輪郭を形作ることになるはずである。本書が、そのためのささやかな礎となることを願ってやまない。

第１章コンサート編 生演奏におけるエルガー解釈の現場

 

「初めてのエルガー」――1988年ロンドン、あるファミリー・コンサートの記憶
声と海の距離――2000年、N響定期における《海の絵》
色彩としての《エニグマ》――デュトワとN響の距離
ノリントンのエルガー――様式の革命としての実演体験
感動の再来――尾高忠明と日本フィルのエルガー第1番
アマチュアが担うエルガー――お茶の水OBオーケストラの挑戦
エルガー《神の国》―静謐なる頂点と、その受容の現在
ロッホラン／日フィル――偏見を覆した誠実な解釈
大友直人エルガー交響曲第2番をめぐる演奏史的考察
医科学生オーケストラ：技術を超える「一回性」の力
広上淳一／新日本フィル：過剰な情動と構造の乖離
尾高忠明／神奈川フィル：様式と情熱の均衡
カルロ・カーリー　オルガン・リサイタル評
尾高忠明／札響 東京公演：北の大地からの福音
エルガー交響曲第3番（ペイン補筆版）日本初演レビュー
大友直人指揮/東京交響楽団　エルガー「使徒たち」日本初演
再戦としてのエルガー ― テイト／読響が示した到達点
大友直人指揮／東京交響楽団　ゲロンティアスの夢 演奏会レビュー
響きの呼吸 ― 南條由起が奏でるエルガー
フレッシュコンサート Vol.3　うつくしい弦のメロディー
内面へと沈潜するエルガー ― 大友直人が掴んだ《交響曲第2番》の核心
5年周期の帰結 ― 大友直人とエルガー第2番
尾高忠明と《交響曲第3番》—ペイン版をめぐる到達点と“霊感”の共有
ジョナサン・ノット指揮ゲロンティアス
大友直人と《神の国》（2018）頂点としてのオラトリオと日本における受容の現在
大友直人のエルガー第2番（2023）四半世紀の軌跡と最終楽章への収斂
沖澤のどか×三浦文彰のエルガー協奏曲（2023）異形の解釈と現在進行形の試み
山田和樹×バーミンガム市響のエルガー第1番（2023）—確立された解釈と未完の統合
尾高忠明のエルガー第1番（2023）実演にのみ顕現する“本質”と到達点
ノット×神尾、奇跡の《エルガー協奏曲》（2023）—ピアニッシモが導いた決定的瞬間
深海から響く声——ウェブスター×ダンディが描いた《海の絵》（2023）
経験と愛が支えた“不倒のエルガー”——大友直人×東響《交響曲第1番》（2024）
日本初演：《ピアノトリオのための3つの楽章》
「ヤマカズのエル2を聴かずしてエルガーを語るなかれ」
トリプルAの成就――尾高忠明、ついに到達した《ゲロンティアスの夢》の核心
魂の継承線――尾高忠明が照らすエルガー《交響曲第3番》の儀式性
未録音の奇跡――尾高忠明と《エニグマ変奏曲》が示すエルガー解釈の極致
ブリンクウェルズの幻影 ―アビゲイル・ヤングが照らすエルガー晩年の深層
最後のロマン派の肖像 ―松本裕香と仲間たちが描くエルガー五重奏曲
エルガー再臨 ― 尾高忠明と大阪フィルが刻む“第3交響曲”の現在

 

 

第２章録音・映像編　記録メディアに刻まれたエルガー解釈

 

エルガーは変わらなかった ― 小品に刻まれた原風景と記憶
《Der Traum des Gerontius》――なぜエドワード・エルガーはドイツ語で救済されたのか
音楽の現場としての《ゲロンティアス》――バルビローリ、ローマ1957の衝撃
理性と激情の交差点ベンジャミン・ブリテン指揮《ゲロンティアスの夢》という異端的名演
静謐なる情熱の解釈者エド・デ・ワールトとエルガー
ノーマン・デル・マー入魂のエルガー
「神」の声キャスリーン・フェリアー
「大宇宙」としてのトムソンのエルガー
三つの顔を持つエルガー――サー・コリン・デイヴィスの交響曲第1番
失われたLPからの復活 ― ボールト1963年の証言

 

 

第３章配信編　デジタル空間に拡張するエルガー解釈

 

メンゲルベルクの遺産に宿るエルガー
エイドリアン・ボールトが呼び覚ます“本国の声”
異邦の視線が照らすエルガー――ワルター・ゲールの《エニグマ変奏曲》
新世代が照らすエルガーの核心――カーチュン・ウォンと《エニグマ変奏曲》
静寂と叙情の海へ――山田和樹／モンテカルロ・フィルハーモニー管弦楽団《海の絵》2019
隠れた名演！五嶋みどりのコンチェルト
エルガー交響曲第1番 日本初演
ガーディナー指揮のエルガー第2番
もうひとつの「第3交響曲」――ターナー版という試み

 

あとがき
著者紹介

第１章　コンサート編生演奏におけるエルガー解釈の現場

 

 

本章「コンサート編」では、エドワード・エルガーの音楽が実演の場においていかに立ち現れるかという一点に焦点を当てる。
取り上げるのは、主に日本で行われた主要公演――必然的に尾高忠明および大友直人による演奏が多くなる。交響曲からオラトリオに至るまで、これらの実演は単なる再現ではなく、その都度新たに生成される「出来事」、そして歴史（受容史）の証言としての音楽であった。
録音や映像とは異なり、コンサートは一回限りの時間の中で成立する。そこでは解釈、音響、空間、そして聴衆の反応までもが不可分に結びつき、作品の意味をその場で更新してゆく。とりわけ本章で扱う公演の中には、日本初演という歴史的契機を含むものもあり、その意義は単なる演奏を超えている。
本章に記すのは、そうした「その場でしか起こり得ない音楽」の記録である。
エルガーの音楽は、実演という極めて具体的な現場において、どのように響き、どのように受け止められたのか――その体験の核心に迫る。
なお、続く章では、これらの実演が録音・映像としてどのように記録され、さらに配信やSNSを通じてどのように拡張されていくのかを検討する。本章はその出発点として位置づけられる。

第３章　配信編 デジタル空間に拡張するエルガー解釈

 

コンサートホールにおける「一回性の芸術」、
そしてCDや映像メディアに刻まれた「固定された解釈」。それらに続く第三の領域として、現代において急速に存在感を増しているのが、配信による音楽体験である。
YouTubeをはじめとするプラットフォーム上では、過去の名演から最新の公演、さらには個人による演奏や研究的試みまで、無数のエルガー解釈が時空を越えて交差している。
そこでは、演奏はもはや一過性でも固定物でもない。
アルゴリズムと選択によって再編成され、聴き手ごとに異なる「エルガー像」が立ち現れる。
本章では、このデジタル空間における多様な演奏・映像・アーカイブを対象に、従来の演奏史とは異なる視点からエルガー解釈を読み解く。
それは単なるレビューの集積ではない。
「どのように聴かれ、どのように共有され、どのように変容していくのか」という、解釈の流通そのものを扱う試みである。
生でもなく、固定でもない――
拡散し続けるエルガーを捉えるための、新たな章である。

――エルガーを「聴き続ける」ということ

 

 

本書は、エドワード・エルガーという作曲家の音楽が、どのように演奏され、受容され、そして変化し続けてきたのかを、「実演」「録音」「配信」という三つの視点から追いかけた記録である。
振り返ってみれば、エルガーという存在は、決して一枚岩ではなかった。
英国的伝統に根ざしたノーブルな様式――それは確かに彼の重要な側面である。だが同時に、その内側には、常に揺らぎ続ける感情、構築への執念、そして個人と社会の間で引き裂かれるような精神が潜んでいる。
本書で取り上げた数々の演奏は、その「多面体としてのエルガー」を、それぞれ異なる角度から照らし出している。
例えば、実演の章においては、音楽が「その場でしか成立しないもの」であるという厳然たる事実が浮かび上がる。
同じ作品であっても、指揮者、オーケストラ、ホール、そして聴衆――それらが交差する瞬間にのみ立ち現れる音楽は、決して再現されることのない一回性を宿している。
録音の章では、その一回性を定着させようとする人間の意志が、逆説的に浮き彫りになる。
ジョン・バルビローリやベンジャミン・ブリテンのような演奏家たちは、単なる記録を超え、作品の「ひとつの真実」を刻み込もうとした。その試みは、時に伝統となり、時に異端として後世に問いを投げかける。
そして配信の章においては、エルガーの音楽がもはや特定の国や文化に閉じたものではなく、デジタル空間の中で再編成され続けている現実がある。
カーチュン・ウォンや山田和樹のような現代の指揮者たちは、伝統を継承するだけでなく、それを翻訳し、更新し、別の文脈へと接続していく役割を担っている。
ここで改めて強調したいのは、エルガーの音楽は「完成された過去」ではない、ということである。
それはむしろ、演奏されるたびに姿を変え続ける「現在進行形の芸術」である。
日本における受容史を見ても、その歩みは決して早いものではなかった。
交響曲やオラトリオといった大規模作品は、長らく距離を置かれ、ときに誤解されてきた。しかし、演奏の積み重ね、指揮者たちの試行錯誤、そして聴衆の経験の蓄積によって、その状況は確実に変化している。
本書で扱った数多くの演奏――それは必ずしもすべてが「完璧」なものではない。
むしろ、そこには失敗や試行、違和感や葛藤が含まれている。だが、そのすべてが、エルガーという作曲家を理解しようとする営みの一部であり、その蓄積こそが演奏史を形作っていく。
エルガーは、自らの音楽に「謎（Enigma）」を残した。
それは単なる暗号ではなく、「音楽とは何か」「表現とは何か」という問いそのものだったのかもしれない。
その問いに対する答えは、ひとつではない。
そして、おそらく永遠に確定することもない。
だからこそ、私たちは聴き続けるのである。
異なる演奏を、異なる時代の中で、異なる耳で。
本書が、その終わりのない旅の中で、ひとつの道標となるならば、これに勝る喜びはない。