エルガー交響曲第１番にまつわるエピソード

 

その1｜尾高忠明――「この曲と共に成長する」

 

尾高忠明は、エルガー《交響曲第1番》の演奏回数が世界でも群を抜いて多い指揮者だと言われている。
私自身、これまで聴いた同曲の生演奏の中で最も忘れがたい体験のひとつが、尾高氏がBBCウェールズ交響楽団を率いて来日し、サントリーホールで指揮した公演である。

 

それ以降も何度も尾高氏のエルガー第1番を聴く機会があったが、そのたびに解釈が変化していることに気づかされる。
ある時、楽屋でそのことを本人に伝えると、尾高氏も強く自覚しているとのことだった。

 

「私もこの曲を演奏しながら成長しています。
あの頃とは、解釈もだいぶ変わってきました」

 

BBCウェールズ時代、札幌交響楽団との演奏、そして現在へ――
この作品は、指揮者の人生とともに深化していく交響曲なのだ。

 

さらに印象深かったのは、英国のオーケストラでは、この曲の演奏中に楽員が涙を流す場面をしばしば目にする、という話である。その気持ちはよく分かる。それほどまでに、この交響曲は演奏する者の内側に深く触れる作品なのである。

 

 

その2｜サー・コリン・デイヴィス――「打楽器が牙を剥く瞬間」

 

サー・コリン・デイヴィスがこの曲を演奏する際、舞台上にある“異様な光景”が現れることをご存じだろうか。

 

打楽器奏者が最後列に配置され、その前に金管群が座る。そして、その金管奏者の背後にはプラスチック製の防音壁が設置される。

 

理由は単純にして驚異的だ。
打楽器の音が、あまりにも凄まじいのである。
金管奏者の鼓膜を守るための、文字通りの防壁なのだ。

 

特に第2楽章スケルツォ。
実演を聴けば、その破壊力は一瞬で理解できる。CDでも十分確認可能で、ロンドン交響楽団とのライヴ盤や、バイエルンでのライヴは圧巻だ。

 

このスケルツォを聴けば、
「あ、これはサー・コリンだ」
と一発で分かる――それほど明確な刻印が残されている。

 

 

その3｜左右分離配置――エルガーが仕掛けた“空間の音楽”

 

この交響曲は、第1ヴァイオリンと第2ヴァイオリンを左右に分けた配置で演奏されるべき作品である。

 

理由は明確だ。
この曲では、左右に分かれたヴァイオリン群が音楽的な対話を繰り返す場面が数多く存在する。
右から左へ、左から右へ――音が空間を横断する。その効果を味わうこと自体が、この曲の大きな醍醐味なのである。

 

いわゆる「ストコフスキー・シフト」のように、ヴァイオリンを片側にまとめてしまう配置では、この効果は薄まってしまう。にもかかわらず、配置に無頓着な演奏が少なくないのは、現代の流行なのだろう。

 

さらに興味深いのが、スコアに書かれた 「Last Desk Only」 の指示である（練習番号48付近）。
これは「最後列の奏者だけでモットー主題を演奏せよ」という、極めて繊細な指示だ。

 

この部分をどうバランスさせるか――
そこに指揮者の耳と感性が問われる。
エルガーは、この交響曲に数多くの“音楽的仕掛け”を忍ばせている。それを知った上で聴くと、この作品はさらに奥行きをもって迫ってくる。

 

 

 

その4｜映画『グレイストーク』――交響曲が原初の風景になる瞬間

 

1984年の映画『グレイストーク／類人猿の王者ターザンの伝説』のオープニングで、エルガー《交響曲第1番》が使用されている。

 

この使われ方が、実に見事だ。
壮大で、孤独で、どこか文明以前の時間を思わせる――
交響曲が単なる「英国音楽」ではなく、神話的な風景そのものとして立ち上がる。

 

エルガーの音楽は映画で使われる機会も多いが、その中でも、この例は最も印象的な使用例のひとつと言ってよいだろう。