《海の絵》作品37における和声的構造とモチーフ的統一性
エルガーの《海の絵》（Sea Pictures, Op. 37）は、1899年に作曲されたアルト独唱とオーケストラのための連作歌曲集であり、エルガーの声楽作品の中でも最も親しまれている作品のひとつである。同年に初演された《エニグマ変奏曲》と並び、彼の創作活動が大きく飛躍する時期に位置づけられる。
概要と成立
この作品は5つの詩に曲を付けた連作で、共通のテーマとして「海」が扱われている。ただし、ここでの「海」は単なる自然描写にとどまらず、母性・死・永遠性・人間の孤独といった象徴的な意味合いを帯びており、内容的にも形式的にも深い内面性を湛えている。歌詞に選ばれた詩人たちは多様であり（キャロライン・アリス、アダム・リンゼイ・ゴードン、エリザベス・バレット・ブラウニングなど）、エルガー自身も最後の詩「The Swimmer」の改変に積極的に関わっている。
初演は1899年10月5日、ノーリッジ音楽祭にて、名コントラルト歌手クララ・バット（Clara Butt）の独唱、エルガー自身の指揮で行われた。クララ・バットの声を念頭に書かれたこともあり、全体として豊かで深みのあるアルト声部が生かされている。
各曲の解説
Sea Slumber Song（海の眠りの歌）
柔らかく幻想的な雰囲気で幕を開けるこの曲は、母なる海に抱かれて眠る子どものようなイメージを喚起する。オーケストレーションは緻密で繊細、波のゆらぎを思わせる伴奏に、包み込むような声部が重なる。
In Haven（港にて）
恋人との平穏な日々を歌う短い楽章。もとはエルガーの妻アリスが書いた詩で、安息の象徴としての「港（Haven）」が、人生における愛と平和を象徴している。アリスの影が最も色濃く反映された一曲といえる。
Sabbath Morning at Sea（海の安息日の朝）
エリザベス・バレット・ブラウニングの宗教的な詩に基づく楽章。人間の魂が海の中で神に向かって開かれるという神秘的な世界観が描かれ、荘厳なオーケストレーションと広がりのある旋律が特徴的である。
Where Corals Lie（珊瑚の眠るところ）
この曲は歌曲集の中でも特に人気が高く、その魅惑的で夢幻的な美しさは多くの演奏家に愛されてきた。幻想的な調べは、死後の理想郷や魂の憩いを暗示しており、どこか世俗を超えた甘やかな陶酔を感じさせる。
The Swimmer（泳ぐ者）
フィナーレを飾るこの曲は、最もドラマティックで雄大な構成を持つ。荒波を泳ぎながら死と向き合い、超克しようとする人間の姿が詩的に描かれている。ここでのオーケストラは、海の暴力性と人間の意志とのせめぎ合いを鮮烈に表現する。
音楽的特徴と位置づけ
《海の絵》は、歌曲でありながらオーケストラと独唱の密な関係が保たれ、声楽と管弦楽が対等に拮抗する点において、マーラーやR.シュトラウスら同時代の大規模歌曲に通じる芸術性を備えている。一方で、旋律の美しさと親しみやすさにおいて、エルガーならではの英国的な抒情性が息づいている。
また、《海の絵》における「海」は、エルガーのオラトリオ作品に頻出する「永遠」「浄化」「彼岸」といった主題と地続きであり、後の《ゲロンティアスの夢》や《使徒たち》《神の国》に至る宗教的・形而上学的な構想への予兆とも捉えることができる。
《海の絵（Sea Pictures）》の名演奏
■ 名盤推薦（声楽＋指揮＋オーケストラ）
1. ジャネット・ベイカー（メゾソプラノ）／サー・ジョン・バルビローリ指揮／ハレ管弦楽団（1965年録音）
特徴：内面的な情感の深さと、ベイカー特有の声の深みが、《海の絵》の母性的・神秘的な世界観と絶妙に合致。
聴きどころ：特に第1曲〈Sea Slumber-Song〉での夢幻的な浮遊感と第4曲〈Where Corals Lie〉の繊細な表現。
2. フェリシティ・パーマー／リチャード・ヒコックス指揮／ロンドン交響楽団（1987年録音）
特徴：ピアノ版に近い親密さを感じさせつつ、ヒコックスらしい鋭い構成感と細やかな感性が光る。
聴きどころ：第2曲〈In Haven〉でのシンプルな旋律に込められた深い愛の表現。
3. アリス・クーテ／サー・マーク・エルダー指揮／ハレ管弦楽団（2015年録音）
特徴：新世代の中では最もエルガー的な品格と抒情性を兼ね備えた名唱。現代録音ならではのクリアな音質も魅力。
聴きどころ：第5曲〈The Swimmer〉における劇的な高潮と終止の儚さの対比。
どの録音にもそれぞれの美点があるが、エルガーの内面世界を深く表現したい場合はジャネット・ベイカー盤、現代的な響きを求めるならフェリシティ・パーマー盤を最も強く推奨したいところ。
直接的影響か、精神的系譜か――《海の絵》と《アルト・ラプソディ》
エルガーの《海の絵（Sea Pictures）》は、ブラームスの《アルト・ラプソディ》から“直接の影響”を受けたか？
《海の絵（Sea Pictures）》という作品はある種特異な性格を持っている。
全5曲、演奏時間にして正味20分余り。この規模のソング・サイクルであれば、通常はピアノ伴奏で十分と考えられる。実際、シューベルト、ヴォルフ、マーラーに至るまで、多くの作曲家がこの形式を基本としてきた。しかしエルガーは、あえてフル・オーケストラにオルガンまで加えるという大編成を選択した。この選択は、単なる外面的な豪華さの追求ではなく、作品の本質と深く結びついた必然である。エルガー自身が「管弦楽こそ自らの芸術の最高地点である」と考えていたからというのも理由の一つとして挙げられる。
ここで指摘されるのが、ブラームスの《アルト・ラプソディ》の影響である。
1. 編成とジャンルの共通性――偶然とは言いにくい一致
まず目につくのは、次の点である。
ブラームス：《アルト・ラプソディ》（1869）
アルト独唱＋男声合唱＋オーケストラ
エルガー：《海の絵》（1897–99）
アルト（またはメゾ）独唱＋オーケストラ
**低声独唱を中心に据えた「交響的歌曲」**という発想自体、19世紀後半でも決して一般的ではない。
特にエルガーが好んだ声域（コントラルト〜メゾ）と、ブラームスがアルトに託した精神性の重なりは、無視できない一致である。
ただし、ここで重要なのは
👉 「模倣」ではなく、「先例として意識されていた可能性」
というレベルに留めるべき、という点であろう。
2. 詩の扱い方――叙情ではなく「内的独白」
両作品は、詩の扱い方においても非常に似た美学を共有している。
ブラームス《アルト・ラプソディ》
ゲーテの詩を用いながら
劇的展開よりも、孤独な魂の内的独白に焦点
オーケストラは感情を煽らず、沈思を支える
エルガー《海の絵》
複数の詩人による詩を集めた連作
海は描写対象というより内面の比喩
声楽は「語る」というより「思いを沈める」
ここに共通するのは、
声楽がドラマを演じるのではなく、存在そのものとして“そこに在る”
という19世紀後半ドイツ的＝ブラームス的な態度でもある。
エルガーがワーグナーではなく、ブラームスに近い方向でこのジャンルを選んだことは、十分に考えられる。
3. 調性・和声語法――晩年ブラームス的な「抑制」
和声の扱いにも、共通する空気がある。
強烈な半音階進行や官能的色彩は抑制され低弦・ホルン・クラリネットを中心とした暗い包容力
終止を先送りする語り口
《海の絵》第1曲「Sea Slumber-Song」などは、とりわけ**《アルト・ラプソディ》冒頭部の「孤独の気配」**と親和性が高い。
ただし、エルガーの場合、
和声はより流動的
時にモーダル
明らかに「イギリス的な曇り」を帯びる
ここでブラームスとの差異もはっきり現れる。
4. 決定的な違い――救済の構図
最も重要なのは、作品の精神的終着点の違いでろう。
ブラームス
《アルト・ラプソディ》は最終的に「慰め（Trost）」へ至る
男声合唱の登場は、超個人的な救済
エルガー
《海の絵》には救済の確定がない
海は包み込むが、答えは与えない
最終曲「The Swimmer」は昂揚するが、超越はしない
ここに、
プロテスタント的内省（ブラームス）
カトリック的儀式感覚（エルガー）
の決定的な差が現れている。
5. 総合評価
したがって、この問いに対する最も精度の高い答えは次のようになるであろう。
《海の絵》は、《アルト・ラプソディ》を直接のモデルとした作品ではない。
しかし、「低声独唱による交響的内省詩」という発想、
その精神的姿勢において、ブラームス的先例の延長線上に位置している。
言い換えれば、
影響：❌ 明確な作曲技法の借用
影響：⭕ 「このジャンルが成立しうる」という前提の継承
である。
《海の絵》は《アルト・ラプソディ》の「孤独」を、イギリス的風景と個人的ミューズへ移植した作品と表現することも可能である。
